L' histoire du manga provient de parchemins remontant au 12ème siècle , mais si ces parchemins sont réellement des mangas est toujours contesté, bien qu'on pense qu'ils représentent la base du style de lecture de droite à gauche. D'autres auteurs rapportent des origines plus proches du XVIIIe siècle. Manga est un terme japonais qui signifie généralement « bande dessinée » ou « dessin animé », littéralement « esquisses fantaisistes ». Les historiens et écrivains de l'histoire du manga ont décrit deux processus généraux et complémentaires qui façonnent le manga moderne. Leurs points de vue diffèrent dans l'importance relative qu'ils attribuent au rôle des événements culturels et historiques après la Seconde Guerre Mondial par rapport au rôle de la culture et de l'art japonais d'avant-guerre, de Meiji et d' avant Meiji .
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Le premier point de vue met l'accent sur les événements survenus pendant et après l' occupation du Japon par les États-Unis (1945-1952) et souligne que le manga a été fortement façonné par les influences culturelles des États-Unis , y compris les bandes dessinées américaines apportées au Japon par les GI et par des images et des thèmes de la télévision américaine. , films et dessins animés (surtout Disney). Selon Sharon Kinsella, l'essor de l'industrie de l'édition japonaise d' après-guerre a aidé à créer une société axée sur le consommateur dans laquelle des géants de l'édition comme Kond pourraient façonner le goût populaire.
Avant la Seconde Guerre mondiale
Tous les écrivains comme Takashi Murakami ont également souligné les événements après la Seconde Guerre mondiale, mais Murakami considère la défaite stupéfiante du Japon et le bombardement atomique d'Hiroshima et de Nagasaki comme ayant laissé des cicatrices durables sur la psyché artistique japonaise, qui, de ce point de vue, a perdu sa confiance auparavant virile. en soi et a cherché du réconfort dans des images inoffensives et mignonnes (kawaï). Cependant, Takayumi Tatsumi voit un rôle particulier pour un transnationalisme économique et culturel transpacifique qui a créé une culture de la jeunesse internationale postmoderne et partagée de la bande dessinée, du cinéma, de la télévision, de la musique et des arts populaires connexes, qui était, pour Tatsumi le creuset dans lequel les mangas modernes se sont développés.
Pour Murakami et Tatsumi, le transnationalisme (ou mondialisation) fait spécifiquement référence au flux de matériel culturel et sous-culturel d'une nation à une autre. Dans leur utilisation, le terme ne fait pas référence à l'expansion internationale des entreprises, ni au tourisme international, ni aux amitiés personnelles internationales transfrontalières, mais aux manières dont les traditions artistiques, esthétiques et intellectuelles s'influencent mutuellement à travers frontières nationales. Un exemple de transnationalisme culturel est la création de films Star Wars aux États-Unis, leur transformation en manga par des artistes japonais et la commercialisation du manga Star Wars aux États-Unis. Un autre exemple est le transfert de la culture hip-hop des États-Unis au Japon. Wong voit aussi un rôle majeur pour le transnationalisme dans l'histoire récente du manga.
Cependant, d'autres auteurs soulignent que la continuité des traditions culturelles et esthétiques japonaises est au cœur de l'histoire du manga.Schodt souligne l'existence dans les années 1200 de rouleaux d'images illustrés comme Chōjū-jinbutsu-giga qui racontaient des histoires en images séquentielles avec humour et esprit.Schodt souligne également les continuités du style esthétique et de la vision entre les gravures sur bois ukiyo-e et shunga et les mangas modernes (tous les trois remplissent les critères d' Eisner pour l'art séquentiel). Bien qu'il y ait des différends quant à savoir si Chōjū-jinbutsu-giga ou Shigisan-engi était le premier manga, les deux rouleaux remontent à peu près à la même période. Cependant d'autres comme Isao Takahata , co-fondateur et réalisateur du Studio Ghibli , n'y prétend aucun lien avec les parchemins et les mangas modernes. Que ces rouleaux soient ou non parmi les premiers mangas, ils sont crédités d'être à l'origine du style de lecture de droite à gauche dans les mangas et les livres japonais
Schodt voit également un rôle particulièrement important pour le kamishibai, une forme de théâtre de rue où des artistes itinérants exposaient des images dans une boîte lumineuse tout en racontant l'histoire au public dans la rue. Torrance a souligné des similitudes entre les mangas modernes et le roman populaire d'Osaka entre les années 1890 et 1940, et soutient que le développement d'une alphabétisation généralisée à Meiji et au Japon post-Meiji a contribué à créer un public pour les histoires racontées en mots et en images. Kinko Ito enracine également le manga historiquement dans la continuité esthétique avec l'art pré-Meiji, mais elle considère que son histoire après la Seconde Guerre mondiale est en partie motivée par l'enthousiasme des consommateurs pour la riche imagerie et le récit de la nouvelle tradition du manga. Ito décrit comment cette tradition a régulièrement produit de nouveaux genres et marchés, par exemple pour les mangas pour filles ( shōjo ) à la fin des années 1960 et pour Ladies Comics ( redisu ) dans les années 1980.
Kern a suggéré que les kibyoshi , livres d'images illustrés de la fin des années 1700, pourraient avoir été les premières bandes dessinées au monde. Ces récits graphiques partagent avec les mangas modernes des thèmes humoristiques, satiriques et romantiques. Bien que Kern ne pense pas que les kibyoshi soient un précurseur direct du manga, pour Kern l'existence de kibyoshi indique néanmoins une volonté japonaise de mélanger des mots et des images dans un moyen de narration populaire. La première utilisation enregistrée du terme « manga » pour signifier « images fantaisistes ou impromptues » vient de cette tradition en 1798, qui, souligne Kern, est antérieure de plusieurs décennies à l'utilisation plus connue du Hokusai Manga de Katsushika Hokusai .
De même, Inoue considère le manga comme un mélange d'éléments centrés sur l'image et le mot, chacun étant antérieur à l'occupation du Japon par les États-Unis. Selon lui, l'art japonais centré sur l'image ou « pictocentrique » dérive en fin de compte de la longue histoire d'engagement du Japon avec l'art graphique chinois, alors que l'art centré sur les mots ou « logocentrique », comme le roman, a été stimulé par les besoins sociaux et économiques de Meiji et nationalisme japonais d'avant-guerre pour une population unifiée par une langue écrite commune. Les deux fusionnent dans ce qu'Inoue considère comme une symbiose dans le manga.
Ainsi, ces chercheurs voient l'histoire du manga comme impliquant des continuités et des discontinuités historiques entre le passé esthétique et culturel alors qu'il interagit avec l'innovation et le transnationalisme de l'après-guerre.
Après la Seconde Guerre mondiale
Le manga moderne trouve son origine dans les années de l'Occupation (1945-1952) et après l'Occupation (1952-début des années 1960), lorsqu'un Japon auparavant militariste et ultranationaliste reconstruisait son infrastructure politique et économique. Bien que les politiques de censure de l'occupation américaine aient spécifiquement interdit l'art et l'écriture qui glorifiaient la guerre et le militarisme japonais, ces politiques n'ont pas empêché la publication d'autres types de matériel, y compris les mangas. De plus, la Constitution japonaise de 1947 (article 21) interdisait toute forme de censure. Un résultat a été la croissance de la créativité artistique dans cette période.
Au premier plan de cette période se trouvent deux séries de mangas et des personnages qui ont influencé une grande partie de l'histoire future du manga. Ce sont Osamu Tezuka de puissant Atom ( Astro Boy aux États-Unis, commencé en 1951) et de Machiko Hasegawa Sazae-san (commencé en 1946).
Astro Boy était à la fois un robot surpuissant et un petit garçon naïf. Tezuka n'a jamais expliqué pourquoi Astro Boy avait une conscience sociale si développée ni quel genre de programmation de robot pouvait le rendre si profondément affilié. Les deux semblent innés à Astro Boy et représentent une socialité japonaise et une masculinité axée sur la communauté très différentes du culte de l'empereur et de l'obéissance militariste imposés pendant la période précédente de l'impérialisme japonais. Astro Boy est rapidement devenu (et reste) immensément populaire au Japon et ailleurs en tant qu'icône et héros d'un nouveau monde de paix et de renoncement à la guerre, comme le montre également l'article 9 de la constitution japonaise.Des thèmes similaires se produisent dans le Nouveau Monde et la Métropole de Tezuka .
Tezuka et Hasegawa étaient également des innovateurs stylistiques. Dans la technique « cinématographique » de Tezuka, les panneaux sont comme un film qui révèle des détails d'action à la limite du ralenti ainsi que des zooms rapides de la distance aux plans rapprochés. Ce genre de dynamisme visuel a été largement adopté par les artistes manga ultérieurs . L'accent mis par Hasegawa sur la vie quotidienne et sur l'expérience des femmes en est également venu à caractériser les mangas shōjo ultérieurs.
Entre 1950 et 1969, un public de plus en plus large pour le manga émerge au Japon avec la solidification de ses deux principaux genres marketing, le shōnen manga destiné aux garçons et le shōjo manga destiné aux filles. Jusqu'en 1969, le manga shōjo a été dessiné principalement par des hommes adultes pour de jeunes lectrices.
Deux mangas d'auteurs masculins très populaires et influents pour les filles de cette période étaient Ribon no Kishi de 1953-1956 de Tezuka ( Princess Knight ou Knight in Ribbons ) et Mahōtsukai Sarii ( Petite sorcière Sally ) de Matsuteru Yokoyama en 1966 . Ribon no Kishi traitait des aventures de la princesse Sapphire d'un royaume fantastique qui était né avec des âmes masculines et féminines, et dont les batailles et les romances à l'épée brouillaient les frontières des rôles de genre autrement rigides. Sarii, l'héroïne princesse préadolescente de Mahōtsukai Sarii, est venue de chez elle dans les terres magiques pour vivre sur Terre, aller à l'école et accomplir une variété de bonnes actions magiques pour ses amis et camarades de classe. Mahōtsukai Sarii de Yokoyama a été influencé par la sitcom télévisée américaine Bewitched , mais contrairement à Samantha, le personnage principal de Bewitched , une femme mariée avec sa propre fille, Sarii est une pré-adolescente qui fait face aux problèmes de croissance et maîtriser les responsabilités de l'âge adulte à venir. Mahōtsukai Sarii a aidé à créer le sous-genre désormais très populaire mahō shōjo ou « fille magique » des mangas ultérieurs.
En 1969, un groupe de femmes mangaka appelé plus tard le Year 24 Group (également connu sous le nom de Magnificent 24s ) a fait ses débuts dans le manga shōjo (l'année 24 vient du nom japonais de 1949, date à laquelle beaucoup de ces artistes sont nés). Le groupe comprenait Hagio Moto, Riyoko Ikeda , Yumiko Oshima, Keiko Takemiya et Ryoko Yamagishi et ils ont marqué la première entrée majeure des femmes artistes dans le manga. Par la suite, les mangas shōjo seraient principalement dessinés par des femmes artistes pour un public de filles et de jeunes femmes.
En 1971, Ikeda a commencé son manga shōjo immensément populaire Berusaiyu no Bara ( La Rose de Versailles ), une histoire d' Oscar François de Jarjayes, une femme travestie qui était capitaine des gardes du palais de Marie-Antoinette dans la France pré-révolutionnaire. En fin de compte, Oscar meurt comme un révolutionnaire menant une charge de ses troupes contre la Bastille. De même, le travail de Hagio Moto a contesté les limites néo-confucianistes sur les rôles et les activités des femmes comme dans son 1975 They Were Eleven , une histoire de science-fiction shōjo sur une jeune femme cadette dans une future académie spatiale.
Manga Shōjo et bandes dessinées féminines de 1975 à aujourd'hui
Au cours des décennies suivantes (1975-présent), le manga sh mangajo a continué à se développer stylistiquement tout en faisant évoluer simultanément des sous-genres différents mais qui se chevauchent. Les principaux sous-genres ont inclus la romance, les super-héroïnes et les "Ladies Comics" (en japonais, redisuレディース, redikomiレヂィーコミet josei女性じょせい), dont les limites sont parfois indiscernables les unes des autres et du manga shōnen .
Dans la romance manga shōjo moderne , l'amour est un thème majeur dans les récits émotionnellement intenses de la réalisation de soi.La critique japonaise de mangas / animes Eri Izawa définit la romance comme symbolisant « l'émotionnel, le grand, l'épopée ; le goût de l'héroïsme, de l'aventure fantastique et de la mélancolie ; l'amour passionné, la lutte personnelle et le désir éternel » mis dans l'imaginaire, cadres narratifs individualistes et passionnés.
Avec les super-héroïnes, le manga shōjo a continué à rompre avec les normes néo-confucianistes de la douceur et de l'obéissance féminines.Naoko Takeuchi de Sailor Moon ( Bishōjo Senshi Sēramūn : "Pretty Soldier Sailor Moon") est un récit soutenu, 18 volumes d'un groupe de jeunes héroïnes héroïques simultanément et introspectif, actif et émotionnel, obéissante et ambitieux . La combinaison s'est avérée extrêmement réussie et Sailor Moon est devenu internationalement populaire dans les deux formats de manga et d'anime. [Un autre exemple est le Magic Knight Rayearth de CLAMP , dont les trois jeunes héroïnes, Hikaru, Umi et Fuu, sont transportées par magie dans le monde de Cephiro pour devenir des guerriers magiques armés au service de sauver Cephiro des ennemis internes et externes .
Le sous-genre de la super-héroïne a également largement développé la notion d'équipes ( sentai ) de filles travaillant ensemble, comme le Sailor Senshi dans Sailor Moon , les Magic Knights dans Magic Knight Rayearth et les filles Mew Mew de Tokyo Mew Mew de Mia Ikumi . Par aujourd'hui, le modèle narratif de superhéroïne a été largement utilisé et parodié dans le shôjo tradition manga.
Au milieu des années 1980 et par la suite, alors que les filles qui avaient lu des mangas shōjo à l'adolescence mûrissaient et entraient sur le marché du travail, les mangas shōjo ont élaboré des sous-genres destinés aux femmes dans la vingtaine et la trentaine. Ce sous-genre "Ladies Comic" ou redisu - josei a traité des thèmes de la jeunesse adulte : les emplois, les émotions et les problèmes des rapports sexuels, et les amitiés ou l'amour entre les femmes.
Au début du 21e siècle, les mangas pour femmes et filles représentaient donc un large éventail de matériel pour les pré-adolescents et les jeunes adolescents au matériel pour les femmes adultes.
Shōnen , seinen et mangas seijin
Les mangas pour lecteurs masculins peuvent être caractérisés de différentes manières. L'un est par l'âge de son public cible : les garçons jusqu'à 18 ans ( shōnen manga) et les jeunes hommes de 18 à 30 ans ( seinen manga). Une autre approche est par le contenu, y compris l'action-aventure impliquant souvent des héros masculins, un humour burlesque, des thèmes d'honneur et parfois une sexualité explicite. japonais utilise différents pour deux kanjis significations très voisines de « seinen » -青年pour « la jeunesse, jeune homme » pour « adulte, la majorité » -le second se référant à manga plan sexuel destiné aux hommes adultes et aussi appelé seijin ("adulte,"成人) manga. Shōnen , seinen et seijin manga partagent de nombreuses caractéristiques en commun.
Les garçons et les jeunes hommes ont été parmi les premiers lecteurs de mangas après la Seconde Guerre mondiale. À partir des années 1950, les mangas shōnen se sont concentrés sur des sujets censés intéresser l'archétype du garçon : des sujets de science-technologie comme les robots et les voyages dans l'espace, et l'action-aventure héroïque. Les récits de mangas Shōnen et seinen dépeignent souvent des défis pour les capacités, les compétences et la maturité du protagoniste, mettant l'accent sur la perfection de soi, l'autodiscipline austère, le sacrifice pour la cause du devoir et le service honorable à la société, à la communauté, à la famille et aux amis.
De nombreux mangas shōnen ont des thèmes de science-fiction et de technologie. Les premiers exemples dans le sous-genre du robot comprenaient Astro Boy de Tezuka ( voir ci-dessus ) et Doraemon de Fujiko F. Fujio de 1969 , à propos d'un chat robot et du garçon avec qui il vit, qui était destiné aux jeunes garçons. Le thème du robot a considérablement évolué, depuis le Tetsujin 28-go de Mitsuteru Yokoyama en 1956 jusqu'à des histoires plus complexes où le protagoniste doit non seulement vaincre ses ennemis, mais aussi apprendre à se maîtriser et à coopérer avec le mecha qu'il contrôle.Ainsi, dans Neon Genesis Evangelion de Yoshiyuki Sadamoto , Shinji lutte contre l'ennemi et contre son père, et dans Vision of Escaflowne de Katsu Aki , Van non seulement fait la guerre à l'empire de Dornkirk mais doit faire face à ses sentiments complexes pour Hitomi, L'héroïne.
Les décors surnaturels ont été une autre source d'intrigues d'action-aventure dans shõnen et certains mangas shõjo dans lesquels le héros doit relever des défis. Parfois , le protagoniste échoue, comme dans Tsugumi Ohba et Takeshi Obata de Death Note , où le protagoniste Light Yagami reçoit un ordinateur portable d'un Dieu mort ( de Shinigami ) qui tue une personne dont le nom est écrit en elle, et, dans un shôjo exemple manga, Hakase Mizuki de The Demon Ororon , dont le protagoniste abandonne sa royauté démoniaques de l' enfer de vivre et de mourir sur la terre. Parfois, le protagoniste lui-même est surnaturel, comme Hellsing de Kohta Hirano , dont le héros vampire Alucard combat les nazis renaissants déterminés à conquérir l'Angleterre.
Les histoires d'action-aventure militaires se déroulant dans le monde moderne, par exemple sur la Seconde Guerre mondiale, sont restées soupçonnées de glorifier l'histoire impériale du Japon et ne sont pas devenues une partie importante du répertoire des mangas shōnen . Néanmoins, les histoires de fantaisie ou d'aventure militaire historique n'ont pas été stigmatisées et les mangas sur les guerriers héroïques et les artistes martiaux ont été extrêmement populaires.
Bien qu'il existe des histoires sur la guerre moderne et ses armes, elles traitent autant, sinon plus, des problèmes psychologiques et moraux de la guerre que de la pure aventure de shoot-'em-up.. Les exemples incluent Seiho Takizawa de Who Fighter , un récit de Joseph histoire de Conrad Heart of Darkness d'un renégat jeu colonel japonais dans la Seconde Guerre mondiale en Birmanie, Kaiji Kawaguchi « s Service silencieux , d'un sous - marin nucléaire japonais et Motofumi Kobayashi l » Apocalypse Meow , sur la guerre du Vietnam racontée au format animal parlant . D'autres mangas axés sur la bataille et le combat sont des histoires complexes de complots criminels et d'espionnage à surmonter par le protagoniste, tels que City Hunter de Hojo Tsukasa, Fist of the North Star de Tetsuo Hara et dans le manga shōjo From Eroica avec Love de Yasuko Aoike , une longue histoire d'espionnage criminel combinant aventure, action et humour (et un autre exemple de la façon dont ces thèmes se produisent à travers les genres).
Pour les critiques de mangas Koji Aihara et Kentaro Takekuma, detelles histoires de batailles répètent sans cesse les mêmes thèmes de violence insensés, qu'ils appellent sardoniquement le "Shonen Manga Plot Shish Kebob", où les combats suivent les combats comme de la viande brochette sur un bâton. D'autres commentateurs suggèrent que les séquences de combat et la violence dans les bandes dessinées servent de débouché social à des impulsions autrement dangereuses manga Shonen et son extrême ont été parodié guerrier, par exemple, dans Mine Yoshizaki de comédie loufoque Sgt. Frog ( Keroro Gunso ), à propos d'un peloton de grenouilles extraterrestres fainéants qui envahissent la Terre et finissent par se débarrasser de la famille Hinata à Tokyo.
Sexe et rôles des femmes dans les mangas pour hommes
Dans les premiers mangas shōnen , les hommes et les garçons jouaient tous les rôles principaux, les femmes et les filles n'ayant que des places auxiliaires en tant que sœurs, mères et parfois petites amies. Sur les neuf cyborgs du Cyborg 009 de Shotaro Ishinomori de 1964 , un seul est une femme, et elle disparaît bientôt de l'action. Certains mangas shōnen récents omettent pratiquement les femmes, par exemple l'histoire d'arts martiaux Baki the Grappler d' Itagaki Keisuke et la fantaisie surnaturelle Sand Land d' Akira Toriyama . Cependant, dans les années 1980, les filles et les femmes ont commencé à jouer des rôles de plus en plus importants dans les mangas shōnen , par exemple, le Dr. Slump de Toriyama en 1980 , dont le personnage principal est la fille robot espiègle et puissante Arale Norimaki .
Le rôle des filles et des femmes dans les mangas pour les lecteurs masculins a considérablement évolué depuis Arale. Une classe est la jolie fille ( bishōjo ). Parfois, la femme est inaccessible, mais elle est toujours l'objet de l'intérêt émotionnel et sexuel du héros, comme Belldandy de Oh My Goddess ! de Kosuke Fujishima et Shao-lin de Guardian Angel Getten de Minene Sakurano . Dans d'autres histoires, le héros est entouré de telles filles et femmes, comme dans Negima de Ken Akamatsu et Hanaukyo Maid Team de Morishige . Le protagoniste masculin ne parvient pas toujours à nouer une relation avec la femme, par exemple lorsque Bright Honda et Aimi Komori ne parviennent pas à se lier dans Shadow Lady de Masakazu Katsura . Dans d'autres cas, les activités sexuelles d'un couple réussi sont décrites ou implicites, comme Outlanders par Johji Manabe .
Avec l'assouplissement de la censure au Japon après le début des années 1990, une grande variété de thèmes sexuels explicitement dessinés sont apparus dans les mangas destinés aux lecteurs masculins qui apparaissent en conséquence dans les traductions anglaises. Ces représentations vont de la nudité partielle légère aux rapports sexuels implicites et explicites en passant par la servitude et le sadomasochisme (SM), la zoophilie (bestialité), l' inceste et le viol. Dans certains cas, les thèmes du viol et du meurtre de luxure sont venus au premier plan, comme dans Urotsukidoji de Toshio Maeda et Blue Catalyst de 1994 par Kei Taniguchi, mais ces thèmes extrêmes ne sont pas courants dans les textes non traduits ou traduits. mangas.
Gekiga
Gekiga signifie littéralement « images dramatiques » et fait référence à une forme de réalisme esthétique dans les mangas. Le dessin de style Gekiga est émotionnellement sombre, souvent d'un réalisme saisissant, parfois très violent, et se concentre sur les sombres réalités quotidiennes de la vie, souvent dessinées de manière granuleuse et sans jolies couleurs. Gekiga est né à la fin des années 1950 et 1960 en partie de l'activisme politique des étudiants et de la classe ouvrière de gauche et en partie de l' insatisfaction esthétique de jeunes artistes manga comme Yoshihiro Tatsumi avec les mangas existants. Les exemples incluent les Chroniques 1959-1962 de Sampei Shirato des réalisations militaires d'un Ninja ( Ninja Bugeichō ), l'histoire de Kagemaru, le chef d'une rébellion paysanne dans les années 1500, qui traitait directement de l'oppression et de la lutte des classes, et Hiroshi Hirata de Satsuma Gishiden , sur les soulèvements contre le shogunat Tokugawa.
Au fur et à mesure que la protestation sociale de ces premières années diminuait, le gekiga a changé de sens vers un drame mature et socialement conscient et vers l'avant-garde. Les exemples incluent Koike et Kojima's Lone Wolf and Cub et Akira , un conte apocalyptique de gangs de motards, de guerre de rue et de transformations inexplicables des enfants d'un futur Tokyo. Un autre exemple est le manga MW d' Osamu Tezuka de 1976 , une histoire amère des conséquences du stockage et peut-être de la libération délibérée de gaz toxiques par les forces armées américaines basées à Okinawa des années après la Seconde Guerre mondiale. Gekiga et la conscience sociale qu'il incarne restent vivants dans les mangas modernes. Un exemple est Ikebukuro West Gate Park de 2001 par Ira Ishida et Sena Aritou, une histoire de voyous de rue, de viol et de vengeance se déroulant en marge de la société du quartier riche d' Ikebukuro à Tokyo.
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